50 tipů pro úpravu videa které následují, jsou výsledkem mnoha let střihu videa, mnoha hodin výzkumu a učení se z bezpočtu chyb. Doufám, že tyto tipy budete moci použít ve svých vlastních projektech úprav, abyste zlepšili kvalitu své práce a zvýšili rychlost a efektivitu.
Pokud dáváte přednost stažení tipů jako e-knihy ve formátu PDF, máte k nim přístup zde.
Užijte si to!
1. Udržujte přiměřené tempo – příliš rychle a ztratíte lidi, příliš pomalé a budete je nudit
Obecně platí, že je lepší stříhat scénu příliš rychle než příliš pomalu. Není nic horšího, než nudit své publikum. To znamená, že matení lidí přehráním scény příliš rychle je na druhém místě.
2. Určete, co pohání scénu, a začněte její úpravou
Když začnete cokoliv upravovat, zjistěte, jaký prvek to požene vpřed a použijte jej jako páteř svého dílu. Někdy je to rytmus hudby, někdy dialogový rozhovor, někdy sled záběrů a jindy motiv jako vložený záběr tikajících hodin, který se objevuje každých pár sekund. Ať je to cokoli, nejprve vložte „ovladač“ do své časové osy a nechte jej informovat o zbytku procesu úprav.
3. Použijte reakční výstřely
Reakční záběry umí víc než jen ukázat, co si postava myslí nebo co cítí o konkrétní události. Naznačují také, co by měl cítit samotný divák – ať už je to strach, šok, chtíč atd. Navíc reakční záběry umožňují divákovi chvíli strávit věci tak, jak se dějí. Pokud by záběry jen ukazovaly dva boxery, jak si to plácají v ringu, aniž by se stříhali na občasné záběry reakce publika, divák by byl buďto neustálou akcí přemožen, nebo by vůči ní byl jednoduše imunní.
Ani jedno není dobré. To platí pro komedii, horor a téměř každý jiný žánr, na který si vzpomenete.
4. Snižte čas, abyste předešli nudě
Nikdo se nechce dívat, jak někdo prochází celou cestu přes místnost, vyleze celé schodiště nebo sní celé jídlo. Stříhejte mezi různými úhly kamery, abyste zkrátili čas a zrychlili akci.
5. Rozšiřte čas pro zesílení dramatického momentu, vtipu, akce atd.
Někdy je okamžik tak zajímavý, důležitý nebo silný, že má smysl ho trochu natáhnout. Stejně jako řezání mezi různými úhly kamery může zkrátit čas, lze jej také použít k jeho rozšíření. Zobrazení stejné události z více úhlů vám umožní efektivně ji odehrát déle, než ve skutečnosti trvalo. Dobrým příkladem toho může být hráč baseballu, který si stoupne na talíř a odpálí homerun. Čas a vzrušení celé akce lze prodloužit použitím mnoha různých záběrů od pálkaře, jeho mimiky, nadhazovače, davu a mnoha úhlů hřiště, švihu a úderu. Mnohem více vzrušující než hraní v „reálném čase“.
6. Pamatujte na příběh a oblouky postav
Když ve filmu upravujete a vybíráte repliky a záběry ze svých postav, vždy si pamatujte, co se stalo, aktuálně děje a stále se nestalo. Zajistěte, aby vývoj postavy správně procházel příběhem.
Například nechcete, aby postava působila příliš sebejistě, když si tuto vlastnost ještě nevyvinula prostřednictvím událostí ve filmu. Pokud budete někdy potřebovat trochu pomoci se sledováním toho, jak váš příběh plyne a jak se vaše postavy vyvíjejí, zde je několik užitečných tipů pro střih filmů. Najděte všechny scény, které jste již vystřihli, společně s postavou, na které pracujete. Položte je vedle sebe v pořadí, v jakém je máte ve filmu, a sledujte je. Tímto způsobem můžete velmi rychle sledovat postup a vývoj postavy, aniž byste museli sledovat celý film, a rychle získáte představu o tom, zda pořadí vývoje dává smysl nebo by se mělo upravit.
7. Jen pokračujte v řezání
Někdy nápady nezačnou proudit, dokud nezačnete něco vidět na své časové ose. Když narazíte na kreativní překážku, nevzdávejte se. Pokračujte v úpravách a zkoušejte různé způsoby, jak pojmout scénu, promo, cokoliv. Nakonec uděláte něco, co vás bude inspirovat a nastaví vás na správnou cestu.
8. Shodné střihy fungují pro obraz i zvuk
Každý viděl obrázek vystřižený z jedné scény s detailním záběrem na oční bulvu do jiné scény s podobně velkým záběrem slunce – nebo nějakou variaci tohoto typu sestřihu podle obrázku. Ale nezapomeňte, že můžete také sladit střižený zvuk. Zde je příklad.
Ve scéně A žena říká:„Nikdy bych nic neukradla z vašeho obchodu, pane. Jediný člověk, o kterém vůbec vím, že něco ukradl, je…“ – střih na scénu B, kde muž křičí „Fletcher!“ a ukazuje na mladšího bratra ženy, když vybíhá z obchodu s televizí. Shodné střihy pro zvuk jsou skvělým způsobem, jak propojit nápady mezi scénami. Buďte kreativní – existuje spousta možností.
9. Nejprve nahrubo ořízněte, poté zjemněte
Nedělejte si starosti s tím, že budete pracovat na drobných detailech střihu, když jej poprvé rozkládáte. Nejprve si ujasněte svou hrubou strukturu a poté začněte dolaďovat snímky a zvuk. To vám umožní maximální kreativní rychlost a flexibilitu při vytváření díla, aniž byste se zabředli do detailů.
10. Stříhejte záběry v dialogových scénách mezi klauzulemi, nádechy nebo těsně před intenzivními porody
Využijte špičky intenzity během dialogové scény, stejně jako okamžiky pauzy nebo rozjímání. Všechny jsou dobré, přirozené body, které lze stříhat z jedné postavy na druhou, přičemž střih zůstane téměř bez povšimnutí.
11. Střih při pohybu
Toto je jeden z nejzákladnějších tipů na úpravu videa. Nejjednodušší způsob, jak zneviditelnit střih, je střihnout při nějakém pohybu. Může to být pohyb postavy, například otočení hlavy, gesto rukou nebo úder pěstí. Nebo můžete omezit pohyb samotné kamery. Kamera se často otáčí, naklání, naklání a švihá po obrazovce. Ořezání těchto pohybů pomůže zamaskovat vaše úpravy a vytvořit pro diváka hladší zážitek.
12. Motivujte své střihy
Když jsou střihy motivované, budou působit přirozeněji a diváka nebudou dráždit. Využijte toho ve svůj prospěch k vytvoření hladce plynoucího kusu. Jednoduchým příkladem toho je detailní záběr na tvář postavy, když její oči vypadají mimo obrazovku, což motivuje střih na něco, na co se dívají.
13. Použijte vložit záběry
Vložené záběry jsou detailní záběry předmětů ve scéně (soubor klíčů na pultu, které si hlavní hrdina právě zapomněl vzít s sebou, když ve spěchu vyběhl z bytu) nebo velmi konkrétní akce, které se dějí (a ruka zvedla sklenku vína ze stolu). Vkládání záběrů může pomoci při přechodu mezi scénami, lépe definovat, co se děje, tím, že zaměří pozornost diváka, a poskytnout informace o prostředí zobrazením detailů, které se v něm vyskytují. Inzertní záběry také poskytují velkou rozmanitost kompozic záběrů v rámci střihu, čímž narušují monotónnost středních záběrů, které mohou mít tendenci kazit kus.
14. Sledujte oči herce, abyste věděli, kdy stříhat
Obecně platí, že oči herce vám dobře naznačí, kdy je čas střihnout na jinou postavu, objekt ve scéně nebo jednoduše na jiný úhel kamery. Oční pohyb lze považovat za malou verzi řezání při pohybu a také za způsob, jak motivovat k úpravě. Když si nejste jisti, kdy řezat, podívejte se do očí!
15. Využijte pohyb kamery pro rychlejší tempo
Skvělý způsob, jak navodit dojem intenzity a akce, je využít pohyb kamery. Dostupnost záběrů pohybující se kamerou se samozřejmě určuje během natáčení, ale pokud je máte k dispozici a chcete akci trochu rozproudit, nezapomeňte je použít. Navíc, když stříháte z jednoho pohyblivého záběru na druhý, automaticky stříháte vždy při pohybu, a tak budete mít více příležitostí k plynulým úpravám. Výsledkem je, že budete moci zkrátit dobu trvání jednotlivých snímků a zrychlit tempo.
16. Skokové střihy nejsou vždy špatné
Publikum je nyní shovívavější. Před deseti nebo dvěma lety bývalo pevným pravidlem, že byste nikdy neměli dělat skokový řez. Tak už ne. Jistě, skokový střih v emocionální, dramatické scéně může být stále trochu trapný a rušivý. Ale skokové střihy v akci, hororu, dokonce i komedii se staly mnohem přijatelnějšími než dříve. Skokové střihy mohou dát vašemu dílu ostrý, stylový nádech a také slouží jako prostředek k vyděšení nebo překvapení publika. Jako u většiny věcí je však trik v tom, je nepoužívat nadměrně.
17. Stříhejte, když je váš divák nepozorný
Tento tip na úpravu videa je trochu obecný, ale chtěl jsem ho zahrnout, protože ilustruje důležitý zastřešující koncept. Ať už omezujete pohyb, velké zvuky nebo intenzivní momenty, klíčem je obecně stříhat, když je váš divák rušen. Přemýšlejte o tom jako o kouzelníkovi, který rozptyluje své publikum rozmachem a příběhy a odvádí jejich pozornost od lstí, které se odehrávají v zákulisí, které připravuje jeho trik. Tento tip vás velmi dobře provede v nesčetných situacích úprav.
18. Prolínání do černé zahajuje nové scény — křížové rozpouštění značí plynoucí čas
Toto je docela základní tip, ale je dobré si jej zapamatovat. Existuje mnoho editorů, kteří se snaží vyhnout použití jednoho z těchto efektů – protože věří, že dobrou úpravu lze provést správně motivovanými rovnými řezy. Nicméně věřím, že blednutí a rozpouštění mají stále své místo za správných okolností. Jen se ujistěte, že je používáte střídmě a správně.
19. Ujistěte se, že se úhly kamery mezi podobnými záběry mění alespoň o 45°
Pokud musíte stříhat z jednoho záběru na další záběr stejného objektu, zkuste se ujistit, že úhel nového záběru je alespoň 45° odlišný od prvního. Jinak bude řez trhavý a bude vypadat jako chyba. Pokud nemůžete řezat do jiného dostatečného úhlu, zkuste řez odříznout na jiný objekt – nebo překlenout mezeru vloženým záběrem.
20. Měňte vzdálenost fotoaparátu při řezání záběrů stejného objektu
To je podobné předchozímu pravidlu. Pokud nestříháte něco stylisticky, je nejlepší mít podstatnou změnu vzdálenosti fotoaparátu, když stříháte nebo oddalujete stejný objekt. Zkuste například nestříhat z extrémní blízkosti do blízka. Zkuste místo toho přejít z ECU na střední nebo široký záběr. Bude to působit trochu přirozeněji a pomůže to udržet řez blíže neviditelnému – což je obvykle cílem.
21. Abyste zabránili praskání
, použijte rozpuštění na hlavách a koncovkách zvukuTéměř veškerý editační software má poměrně rychlý způsob, jak aplikovat zvuk zeslabující a rozpouštějící se. Použijte je na okrajích vašich zvukových klipů pro plynulé rozetmívání a zeslabování zvukových efektů, dialogů, tónu místnosti, hudby atd. I když máte prostor pouze pro aplikaci 1 nebo 2 rámečků po vyslovení slova, použijte jej. Tyto rozpuštění vyhladí váš zvukový mix a zabrání „praskání“.
22. Ponořte hudbu a zvukové efekty do dialogu
Pokud je váš dialog a vyprávění obtížné slyšet, divák bude na okamžik zmatený, když se bude snažit porozumět tomu, co bylo právě řečeno. To je pro diváka únavné a v konečném důsledku způsobuje frustraci, ztrátu zájmu a potíže s ponořením se do díla.
23. Nepoužívejte ošidné VFX
Nic nekřičí „amatérsky“ víc než hvězdicové ubrousky, třpytivé světlice a zvlnění stránek. Pokud vaše video nemá vypadat retro/sýrovitě, vyhněte se těmto efektům, jako je mor.
24. Načasujte si úpravy hudby pro maximální dopad
Uložte si hudbu až do důležitých okamžiků a pak ji začněte přehrávat – nebo hudbu upravte tak, aby se její největší a nejintenzivnější části objevily ve správných okamžicích střihu. Navede diváka a dá mu vědět, že to, co sledují, je nějakým způsobem významné, ať už je to proto, že okamžik je napínavý a má se stát něco děsivého, nebo to, co vidí, je důležitou součástí příběhu.
Samozřejmě existuje spousta výjimek z tohoto pravidla, ale pokud se budete snažit používat hudbu trochu střídmě, bude to mít na vaši skladbu mnohem větší dopad.
25. Podle potřeby použijte kompresory na dialog a vyprávění
Kompresory slouží k vyrovnání vysokých a nízkých úrovní zvuku. Mají mnoho využití, ale jedním z mých nejoblíbenějších je použít mírný kompresor na dialogy a vyprávění, které by jinak mohly být obtížně slyšet v sekcích se spoustou dalších zvukových efektů nebo hudby. Kompresor zesílí některé nižší úrovně v dialogu, čímž zajistí, že se slova neztratí nebo nepřeslechnou. Dejte si pozor, abyste kompresor příliš nezvyšovali, jinak skončíte s velmi uměle znějícím projevem robota.
26. Ujistěte se, že úrovně zvuku nedosahují špičky
Toto je jeden z nejzákladnějších tipů na úpravu filmů, ale je snadné ztratit přehled. Věnujte zvláštní pozornost scénám se spoustou akce nebo děsu, protože nevyhnutelné vícenásobné zvukové stopy mohou váš mix velmi rychle dostat do červených čísel.
27. Vždy mixujte stereo nebo lépe – nikdy mono
Mixování je stereo vám dává možnost posouvat zvuk doleva a doprava pro chladnější zvukové efekty (projíždějící auta, hlasové volání mimo obrazovku atd.). Stereo mixy také obecně mívají méně zablácený zvuk a poskytují vám o něco více prostoru pro zvuk, než začne vrcholit.
28. Použijte reverb a d-verb k vytvoření vyzvánění na hudebních zastávkách
Toto je opravdu skvělý trik používaný po celou dobu v průmyslu trailerů, ale je užitečný ve všech typech úprav. Pokud potřebujete, aby se vaše hudba zastavila v bodě před přirozeným koncem, ale nechcete, aby zněla příliš náhle, zkuste to. Najděte spodní rytmus hudby v oblasti, kde chcete, aby hudba skončila. Zvedněte cokoli v této hudební stopě po rytmu a použijte efekt d-verb nebo reverb na nyní poslední rytmus. Změňte délku a typ slovesného efektu v závislosti na tom, jak dlouhé chcete vyzvánění mít. To vám poskytne příjemnou čistou hudební stopu, která se vyřeší a nezní náhle. Skvělé pro zastavení při momentu nárazu nebo těsně před tím, než zazní pointa vtipu.
29. Pro přechod mezi scénami použijte zvuk
Skvělým přechodným tipem pro video je předběžně přehrát zvuk z další scény pod koncem proudu. Když například dva lidé ukončí konverzaci ve svém bytě a rozhodnou se podniknout výlet do Paříže, postupně pod videem jejich konverzace ztiší zvuk přistávajícího letadla. Pak můžete přejít na letadlo přistávající v Paříži, aniž by to vypadalo příliš náhle nebo nečekaně. Je to velmi podobné motivování střihu v tom smyslu, že diváka navede a dá mu vědět, co může očekávat, aby nebyl matoucí nebo neúmyslně překvapen.
Existuje mnoho kreativnějších způsobů, jak použít zvuk k přechodu mezi scénami, ale toto je jeden z nejzákladnějších a nejužitečnějších.
30. Použijte zvukový design k utváření momentů a budování a uvolňování napětí
Nemusíte se vždy spoléhat pouze na svou hudbu, abyste vytvořili náladu scény. Nebojte se používat drony, hity, kovové sténání a další užitečné prvky zvukového designu, které vám pomohou vytvořit atmosféru scény a řídit emoce vašeho diváka. Efektivní používání zvukového designu vyžaduje trochu cviku, ale umožňuje vám to v podstatě fungovat jako skladatel, když upravujete, a skutečně získat kontrolu nad náladou a tónem.
31. Přizpůsobte a používejte klávesové zkratky
Každý má svůj vlastní způsob práce s počítačem – ale některé jsou prostě rychlejší. Vždy jsem zjišťoval, že používání klávesových zkratek při úpravách – nebo při jakékoli činnosti na počítači – DRASTIKY zvýší rychlost, s jakou může editor pracovat.
Over the years, I have gradually fine-tuned my method for setting up my hot-keys in a particular software package. Now, the general rule I try to follow is to map all of my shortcuts to one half of the keyboard. That way, my left hand can stay in the same location on the keyboard and have access to all my keyboard shortcuts without having to move. My right hand will always be on the mouse, clicking and dragging around the timeline as needed. For maximum speed, I try to eliminate 95% of mouse clicking whenever possible. It takes a bit of getting use to but you’ll be amazed how much more quickly and effortlessly you can work.
32. Organize your source materials
This is crucial.
Unless you’re working on a very small project, you MUST organize your source materials. This includes all your video footage, your music, your narration, your sound effects, your graphics and anything else you might need. Particularly with the footage, you’ll want to organize it either by scene, character, location — whatever makes the most sense depending on your project and the type of piece you’re cutting. For a feature, it makes the most sense to organize by scene numbers. For promos, you’ll probably want to organize by types of shots and characters, since the footage will serve as more of a painter’s palette than a chronological storyboard.
However you choose to do it, just make sure you’re organized. Otherwise you’ll quickly become overwhelmed, make weaker editing decisions and miss out on editing opportunities that you may have seen if you had better access to your source materials. Trust me, it’s worth the initial time investment.
33. Mark your favorites
As you look through and organize your footage, keep notes of your favorite lines, takes, shots etc. Your initial reaction to seeing these materials will often be the most genuine and unbiased, most closely-reflected how the audience will perceive it. It’s important for you to make notes on your thoughts and impressions during this objective phase to help guide you later on in the process when things get a bit more…messy.
34. Save commonly used effects and plugin settings to a bin
Often when working on a project, you’ll find that you need to use the same types of effects multiple times. These could be time-warps, picture zooms, white flashes, audio effects etc. Rather than recreate them from scratch each type, create a bin or folder contain the presets for each of these effects so you can just drag them onto your clips as needed. This will save you quite a bit of time while editing, allowing you to focus on more important things.
35. Zoom in on the timeline
A common mistake many editors make is forgetting they can zoom in on their timeline. To properly fine-tune a cut, a music edit, whatever…you need to zoom in. By trying to work on a section of your piece without focusing the timeline on it, you’ll create two main problems.
First, you’ll become distracted by everything else that’s going on within your field of view. Sounds crazy, but it’s true. Editing can be very overwhelming at times because of the large amount of materials and edits that you’ll have going on. Zooming in not only focuses your timeline but your attention as well. Second, in order to make the small adjustments and tweaks to picture and audio you need to having a fine level of control. You don’t have that frame by frame accuracy when zoomed out and you’ll end up making incorrect adjustments to things and messing with an edit far longer than you need to.
Even after editing for many years, I still sometimes catch myself forgetting to focus in on a section I’m working. Get into the habit of zooming in and you’ll be surprised how many problems it solves.
36. Use two monitors when possible
For a long time, I edited using only on one monitor. I crammed my timeline, my bins, audio meters, and video windows all on the same screen. When I finally decided to add a second monitor and space things out a bit, there was no turning back. A good two monitor setup involves placing all of your clips, music, bins, audio meters and other tools on the left monitor. On the right monitor, put your timeline and your video windows. The extra screen space will help you with organization as well as provide more room to manipulate the materials on your timeline.
On many projects, I end up with up to 5 video tracks and 24 audio tracks. While the extra monitor is not a necessity, without it things would get a bit tight!
37. Avoid parallel edits
This is one of the classic video editing tips that bears repeating. Cutting from one shot to another at the exact same moment you cut the associated audio is often a bad idea. Since the goal of most edits is to create a smooth, uninterrupted experience for the viewer, you want to minimize jolts and bumps along the way. By cutting both picture and audio at the same time, you’re causing the viewer to adjust to two changes at once, which they’ll often notice. Instead, do what’s referred to as an L cut or J cut — also called pre-lapping and post-lapping.
This means, start the audio for the next shot slightly before you cut the picture to it. Or, cut to your next shot, slightly before the audio begins — this is good to capture reactions of the listener during a dialogue scene. It takes a little practice to get right but will give your cuts a much more professional feel.
38. Use multiple camera angles and shots with fast cutting to build intensity and impact
A great way to create a frenetic and fast-paced sequence is to show the action from multiple angles. Cut quickly from wide to medium to close shots as movement occurs to give a sense of speed and impact. This is particularly important in action scenes like fights or car chases. Just make sure to give your viewer a chance to rest every once in a while by cutting to a wide shot or the reactions of other people watching the action.
39. Vary your pacing and sound levels to create contrasts
A great deal of what makes things interesting in life is contrast. Video editing follows the same rules. By varying the pacing of scenes or the intensity of moments, you’ll create a rhythm in your piece that prevents the viewer from becoming over or under-stimulated. Audio works the same way. A loud scene or moment will have more impact when it follows a quiet one. Conversely, a whispered comment between characters will seem that much more intimate and personal when it follows loud action or music.
Use contrast to accentuate moments and really carve out the peaks and valleys of your cut.
40. Duplicate your timeline and save multiple versions
Any time you’re going to make substantial changes to a sequence — which might not end up working well — try to remember to duplicate your sequence. There’s nothing worse than making a bunch of edits, realizing that you just messed up something that was already working and finding that you can’t “undo” back far enough to restore it. If you make multiple copies of your sequence, you’ll rarely lose work and will have less fear of trying new things. And don’t forget to label them with what’s unique about them. A simple note like “different opening scene – no music” will help you remember what is different about the sequence in case you need to reference it later on.
41. Fake camera movement when necessary
Sometimes you really wish a shot had a slow push in on a character’s face during a dramatic moment but it wasn’t shot that way on the set. Don’t be afraid to add a slow animated resize or zoom to the clip to fake it. Something like 100% zoom to 103% zoom. Just make sure you don’t zoom in so far that the quality of the image starts to degrade. Experiment with faking lots of different types of camera movement.
You’ll be surprised at how much production value and impact you can add to shots that were otherwise a bit boring.
42. Use cross-cutting to build intensity
A great way to create suspense and anticipation is to make sure of cross-cutting. Cross-cutting is simply when you cut back and forth in between two events occurring in different locations or at different times. A great example of using this technique to build intensity would be to show a burglar creeping around outside a house at night and breaking in. In between shots of him approaching, entering and stalking through the house, you’d cut to shots of the homeowner asleep in their bed or perhaps in the shower, unaware of the danger that’s approaching.
43. Use room-tone and ambiance to smooth out your dialogue
When a character has finished delivering a line and another character is about to speak, there is often a bit of space or “dead air”. Depending on how the audio was recorded, there can be a noticeable absence of background hum and noise in between the lines. A good way of smoothing out these gaps is to find a section of the recorded audio track where the characters aren’t speaking but the microphone still picked up the general ambiance of the room or environment. Take a piece of this background noise and cut it in between the lines from the two characters and put small audio dissolves in-between everything. This will create a more seamless transition from one line to the next.
44. Turn up the volume when mixing
When it comes time to mix your audio, turn up the volume a bit. You shouldn’t be straining at all to hear your piece. In fact, you’ll want it to be pretty loud so you can really feel the impact of certain moments and make sure they’re playing as you intended. If you don’t want to disturb those around you, invest in a good pair of closed-ear headphones.
45. Give the audience time to laugh or think after jokes and important moments
After a funny joke is delivered, the audience will probably laugh a bit. In the case of really funny moments, the laughter might be so loud that any lines occurring directly after the joke will go unheard. Be sure to allow ample time for the audience to regain composure before presenting any additional important information or dialogue. The same goes for moments that might require the audience to think about something or realize what’s going on. For example, if a boy gets an angry phone call from his girlfriend and she breaks up with him, give the audience a chance to watch his reaction to the news and discover whether he’s upset — or relieved.
46. Total silence feels unnatural
Silence is anything but silent. When you’re mixing audio, remember that there is almost always some sort of noise in the real world and a complete absence of sound in a section of a cut will feel very unnatural.
A great example of this would be a war scene when a grenade explodes close to a character. It doesn’t injure the soldier but it’s so loud that he temporarily goes deaf. A complete absence of sound here would feel strange, but a high-pitched ringing in his ears and the muffled, quiet, echoed sounds of gunfire and yelling around him would give the impression of silence but in a much more natural way.
Even when human beings are placed in completely quiet anechoic chambers, they can still hear the high-pitched sound of their own nervous system and their heartbeat. To human perception, is no such thing is 100% silence.
47. Scene audio and sound effects should describe the setting or further the story
When deciding what elements of a scene’s audio to include in your mix, remember you don’t have include everything. Only include the ambiance and sounds needed to establish your environment and also to give the viewer clues as to the story you are telling.
If the scene opens in a room with a woman sitting in a chair looking uneasy and mildly annoyed, we might hear the sounds of traffic outside her window and the clock ticking. What we would soon find out is that she has been waiting for her husband to come home for dinner for over an hour and the passing of time is the relevant story point we should be aware of.
48. Edit a documentary with only audio at first
A great video editing tip when editing a documentary is to almost treat it like a radio cut at first. That is, find the narration and dialogue lines that tell the story you’re trying to get across and assemble them all on your timeline. Once you’ve got your story told effectively, then you can start adding in video footage of the interviewees on camera, b-roll of related imagery, graphics and beauty shots. By editing a documentary with only audio at first, it allows you to focus on what’s most important, the message.
49. Stay objective
Remember what your audience knows and doesn’t know. It’s easy to get so familiar with your material that you forget your audience might need a bit of extra information and hand holding to know what’s going on. Providing too little information will leave you viewer confused and important moments won’t have the desired impact. Conversely, too much information will make your film or piece feel unintelligent or made for children — so find the right balance.
50. Carefully sync your sound and music to picture
The human brain is amazing adept at detecting mismatches between audio and video. Even the difference of 1 frame — or 1/30th of a second — is noticeable under certain circumstances.
Be very careful when using sound effects and music that have very sharp attacks or well-defined beats. When these sounds and beats are meant to sync up with a particular visual such as a punch or a baseball hit, being off by even a frame can feel strange and detract from the impact of the event. Some software will even allow you to edit audio on the perf level, which can be as fine as 1/4 of a frame.
These details may seem insignificant but a sync problem causes your viewer to lose focus on the scene and takes them out of the immersive experience of your cut — which is a big problem.
————
Thanks for taking the time to read through these video editing tips. I hope these rules will be as helpful to you as they have been to me over the years.
Got any great video editing tips you’d like to share?
Please post them in the comments below!